Geschichte und Wiederaufbau des Wandbildes von Josep Renau in Erfurt
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Herausgegeben von der Wüstenrot Stiftung , Ludwigsburg, 2020
ISBN: 978-3-96075-010-9
Beschreibung
Nach vierjähriger Planungs- und Restaurierungszeit kehrte das Großmosaik „Die Beziehung des Menschen zu Natur und Technik“ (1980–1984) des spanischen Künstlers Josep Renau (1907–1982) wieder an den Moskauer Platz in Erfurt zurück. Das Wandbild konnte 2009 noch vor dem Abriss des Kultur- und Freizeitzentrums am Moskauer Platz vor der Zerstörung bewahrt werden, wurde fachgerecht abgenommen und bis zu seiner Restaurierung in Containern eingelagert.
Mit der Rettung des ca. 7 x 30 m großen Mosaik-Außenwandbildes „Die Beziehung des Menschen zu Natur und Technik“ von Josep Renau restaurierte die Wüstenrot Stiftung erstmals exemplarisch ein Werk architekturbezogener Kunst im öffentlichen Raum. Sie kommt damit dem Wunsch vieler Menschen nach, „ihr“ Wandbild als identitätsstiftendes und stadtbildprägendes Element wieder zurückzubekommen. Weiterhin soll mit der Restaurierung das bauliche und künstlerische Erbe Renaus und der DDR wieder stärker in das öffentliche Bewusstsein rücken.
Als operative Bauherrin verantwortete die Wüstenrot Stiftung die denkmalgerechte Restaurierung und den Wiederaufbau des Mosaiks und trug den Großteil der Kosten. Unterstützt von bürgerschaftlicher Initiative und durch das Thüringische Landesamt für Denkmalpflege und Archäologie konnte die Wüstenrot Stiftung gemeinsam mit der Stadt Erfurt die erneute Anbringung des Mosaiks ermöglichen, wo es nun auf einem neuen Trägerkonstrukt wieder an seinem alten Ort erstrahlt.
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Dokumentarfotografie Förderpreise 13 – Wenzel Stählin
Wenzel Stählins Projekt „Konstruktionen. Vorschlag für eine Recherche“ hat seinen Ausgangspunkt in architektonischen Visionen von der Antike bis in die Postmoderne. Anhand bedeutender Gebäude von Vitruv, Leo von Klenze, Adolf Loos, Mies van der Rohe, Le Corbusier, Paul Schneider Esleben und Robert Venturi beschäftigt er sich mit paradigmatischen architektonischen Gestaltungselementen und den in sie eingeschriebenen Wertvorstellungen. Bezeichnenderweise ist häufig de männliche Körper Bezugspunkt und Idealmaß der Entwürfe. Wie kann eine Perspektive auf diese Bauten heute aussehen – in einer Gegenwart, in der der männliche Körper Austragungsort für Debatten um Gendergerechtigkeit ist und patriarchale Ordnungen zunehmend aufgebrochen werden? Wenzel Stählin beantwortet diese Frage, indem er in seinen Fotografien Architekturmodellen den eigenen Körper als vergleichende Bezugsgröße gegenüberstellt. In Modellen wird die Vision der Architekten präzise sichtbar, unbeeinflusst von aufgezwungenen Veränderungen durch Baubestimmungen, funktionale Bedürfnisse oder Umwelteinflüsse. Der Körper des Künstlers ist hingegen der eines Mannes Mitte dreißig. Anders als die idealtypischen Körper hat er individuelle Eigenheiten und trägt Spuren von persönlichen Erlebnissen. In den Bildern nimmt Stählin verschiedene Posen ein oder führt mit den Händen Gesten, die Gebäude betreffend, aus. Zusätzlich zu seinen Bildern setzt Stählin seine Gedanken sowie Anmerkungen von Architekten und von Wissenschaftlern in eigenen Texten sowie im Fotofilm „Body / Building“ in einen Zusammenhang.
⤴️Link in Bio: Interview mit Wenzel Stählin
Dokumentarfotografie Förderpreise 13 - Heiko Schäfer
Heiko Schäfer setzt sich mit seinem Projekt „Disziplinierte Produktion“ mit der Realität von Arbeiter:innen in der größten Industrieregion Europas, Nordrhein-Westfalen, auseinander. Ihn interessieren die Arbeitsbedingungen und deren Auswirkungen auf die Lebensrealitäten der Arbeiter:innen ebenso wie die Diskrepanz zwischen Alltagsrealität und den Positionierungen politischer Handlungsträger:innen. Wie gerecht sind die sozialen und ökonomischen Bedingungen und Bewertungen von Lohnarbeit und freiwilliger Arbeit? Sein Zugriff auf diese Fragen ist eine Mikrostudie, die für ihn symptomatisch für die Arbeitswelt in der Gegenwart steht. Über die beispielhafte Beobachtung des Alltags von einzelnen Personen verweist er auf die finanziell und rechtlich prekäre Situation europäischer Industriearbeiter:innen. Fotografiert hat Schäfer mit einer Großformatkamera, die eine sehr detailreiche Wiedergabe der aufgenommenen Situation erlaubt, aber auch eine gewisse Statik mitbringt. In einem Gespräch, das Schäfer mit einer Aktivistin und ehemaligen JobcenterMitarbeiterin, einem so genannten Aufstocker und Mitarbeiter des Kölner ErwerbslosenAnzeigers führt, tritt der er als Fragensteller auf. Seine künstlerische Auseinandersetzung mit der industriellen Arbeitswelt erweitert sich hier um ein Nachdenken über die Richtlinien der Grundsicherung bei Arbeitslosigkeit sowie die Themen Armut und Einsamkeit. Schäfer bringt dieses Gespräch zusammen mit Fotografien der Essensausgabe und der Interviewsituation in einem typischen Zeitungsformat unter.
⤴️Link in Bio: Interview mit Heiko Schäfer
Dokumentarfotografie Förderpreise 13 – Luise Marchand
Thema des Projekts „Liquid Company – Flüssige Gesellschaft“ von Luise Marchand ist der Traum von Selbstbestimmung und einem Gleichgewicht von Beruf und Privatleben, die im 21. Jahrhundert zu einer greifbaren Realität werden. Ihren Ursprung hat diese Entwicklung in der NewWorkBewegung, die im Zuge der Globalisierung, Automatisierung und Digitalisierung in den 1980er Jahren einsetzte und Freiheit, Selbstständigkeit und Teilhabe verspricht. Der Fokus liegt auf persönlicher Entfaltung innerhalb der Arbeitsumgebung und umgekehrt einer höheren Identifikation mit dem Team und dem Unternehmen. Marchand nimmt die sich verändernde Arbeitswelt nicht nur in den Blick, sondern sie wird selbst ein Teil davon: In Jobportalen meldete sie sich mit verschiedenen Profilen an wurde Teil von innovativen Teamstrukturen. Sie nahm an TeambuildingEvents teil und arbeitete in diversen CoWorking Spaces. Ihre Aktivitäten und Beobachtungen zeichnete die Künstlerin mit Bildschirmfotos, Foto und GoProKamera auf und entwickelte daraus die immersive Installation From Me to We. Luise Marchand macht sich für dieses Projekt eine Form der Zeugenschaft zunutze, bei der die eigene subjektive Erfahrung der Filter für den dokumentarischen Blick ist. Diese Zeugenschaft überträgt sie auf uns, wenn wir uns auf die Installation physisch einlassen. Die Idee des Dokumentarischen manifestiert sich an dieser Stelle nicht nur als visuelles Forschen und Argumentieren seitens der Künstlerin. Wesentlich ist in diesem Projekt die Betrachter:innenerfahrung, die von der Künstlerin gelenkt und unter Einbezug der visuellen und sprachlichen Codes des New Work gestaltet wird.
⤴️Link in Bio: Interview mit Luise Marchand
