Stoffe ohne Ende. Die Sammlungen der ehemaligen Textildruckfirma Pausa in Mössingen
Über den Buchhandel erhältlich
Herausgegeben von der Wüstenrot Stiftung und dem Regierungspräsidium Stuttgart, Landesamt für Denkmalpflege, 392 Seiten, Regierungspräsidium Stuttgart, Landesamt für Denkmalpflege, Stuttgart, 2015.
ISBN 978-3-8062-3267-7
Beschreibung
Die seit 1918 in Mössingen ansässige ehemalige Textildruckfirma Pausa gehörte lange Zeit zu den weltweit renommiertesten Herstellern von Dekorationsstoffen. Nach Einstellung der Produktion im Jahre 2003 blieben nicht nur die architekturgeschichtlich bedeutenden Firmengebäude aus den 1950er-Jahren erhalten, sondern auch ein umfangreiches Archiv mit mehr als 300.000 Stoffmustern, 13.500 grafischen Stoffentwürfen, über 700 Musterbüchern und weiteren Zeugnissen der Firmengeschichte.
In einem mehrjährigen Projekt, an dem sich die Stadt Mössingen, das Landesdenkmalamt Baden-Württemberg, die Wüstenrot Stiftung, die Kulturstiftung des Bundes und die Kulturstiftung der Länder beteiligten, wurden diese Sammlungen wissenschaftlich inventarisiert und konservatorisch gesichert. Damit ist es gelungen, eine der bedeutendsten Sammlungen zur Designgeschichte des 20. Jahrhundert für die Zukunft zu erhalten.
Die vorliegende Publikation stellt die Ergebnisse des Projekts vor, ergänzt um Beiträge zur Firmengeschichte, zu den Produktionsprozessen und zu einigen der wichtigsten Designern der Pausa. Ein Katalog ausgewählter Dessins gibt einen Überblick über die gestalterische Qualität und Vielfalt der Pausa-Stoffe.
Die vom Landesamt für Denkmalpflege erarbeitete Publikation dient gleichzeitig als Begleitband zu einer von der Stadt Mössingen und der Wüstenrot Stiftung ausgerichteten und am 21. Oktober 2015 im ehemaligen Druckereigebäude der Pausa in Mössingen eröffneten Ausstellung.
Weitere Publikationen der Wüstenrot Stiftung
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Dokumentarfotografie Förderpreise 13 – Wenzel Stählin
Wenzel Stählins Projekt „Konstruktionen. Vorschlag für eine Recherche“ hat seinen Ausgangspunkt in architektonischen Visionen von der Antike bis in die Postmoderne. Anhand bedeutender Gebäude von Vitruv, Leo von Klenze, Adolf Loos, Mies van der Rohe, Le Corbusier, Paul Schneider Esleben und Robert Venturi beschäftigt er sich mit paradigmatischen architektonischen Gestaltungselementen und den in sie eingeschriebenen Wertvorstellungen. Bezeichnenderweise ist häufig de männliche Körper Bezugspunkt und Idealmaß der Entwürfe. Wie kann eine Perspektive auf diese Bauten heute aussehen – in einer Gegenwart, in der der männliche Körper Austragungsort für Debatten um Gendergerechtigkeit ist und patriarchale Ordnungen zunehmend aufgebrochen werden? Wenzel Stählin beantwortet diese Frage, indem er in seinen Fotografien Architekturmodellen den eigenen Körper als vergleichende Bezugsgröße gegenüberstellt. In Modellen wird die Vision der Architekten präzise sichtbar, unbeeinflusst von aufgezwungenen Veränderungen durch Baubestimmungen, funktionale Bedürfnisse oder Umwelteinflüsse. Der Körper des Künstlers ist hingegen der eines Mannes Mitte dreißig. Anders als die idealtypischen Körper hat er individuelle Eigenheiten und trägt Spuren von persönlichen Erlebnissen. In den Bildern nimmt Stählin verschiedene Posen ein oder führt mit den Händen Gesten, die Gebäude betreffend, aus. Zusätzlich zu seinen Bildern setzt Stählin seine Gedanken sowie Anmerkungen von Architekten und von Wissenschaftlern in eigenen Texten sowie im Fotofilm „Body / Building“ in einen Zusammenhang.
⤴️Link in Bio: Interview mit Wenzel Stählin
Dokumentarfotografie Förderpreise 13 - Heiko Schäfer
Heiko Schäfer setzt sich mit seinem Projekt „Disziplinierte Produktion“ mit der Realität von Arbeiter:innen in der größten Industrieregion Europas, Nordrhein-Westfalen, auseinander. Ihn interessieren die Arbeitsbedingungen und deren Auswirkungen auf die Lebensrealitäten der Arbeiter:innen ebenso wie die Diskrepanz zwischen Alltagsrealität und den Positionierungen politischer Handlungsträger:innen. Wie gerecht sind die sozialen und ökonomischen Bedingungen und Bewertungen von Lohnarbeit und freiwilliger Arbeit? Sein Zugriff auf diese Fragen ist eine Mikrostudie, die für ihn symptomatisch für die Arbeitswelt in der Gegenwart steht. Über die beispielhafte Beobachtung des Alltags von einzelnen Personen verweist er auf die finanziell und rechtlich prekäre Situation europäischer Industriearbeiter:innen. Fotografiert hat Schäfer mit einer Großformatkamera, die eine sehr detailreiche Wiedergabe der aufgenommenen Situation erlaubt, aber auch eine gewisse Statik mitbringt. In einem Gespräch, das Schäfer mit einer Aktivistin und ehemaligen JobcenterMitarbeiterin, einem so genannten Aufstocker und Mitarbeiter des Kölner ErwerbslosenAnzeigers führt, tritt der er als Fragensteller auf. Seine künstlerische Auseinandersetzung mit der industriellen Arbeitswelt erweitert sich hier um ein Nachdenken über die Richtlinien der Grundsicherung bei Arbeitslosigkeit sowie die Themen Armut und Einsamkeit. Schäfer bringt dieses Gespräch zusammen mit Fotografien der Essensausgabe und der Interviewsituation in einem typischen Zeitungsformat unter.
⤴️Link in Bio: Interview mit Heiko Schäfer
Dokumentarfotografie Förderpreise 13 – Luise Marchand
Thema des Projekts „Liquid Company – Flüssige Gesellschaft“ von Luise Marchand ist der Traum von Selbstbestimmung und einem Gleichgewicht von Beruf und Privatleben, die im 21. Jahrhundert zu einer greifbaren Realität werden. Ihren Ursprung hat diese Entwicklung in der NewWorkBewegung, die im Zuge der Globalisierung, Automatisierung und Digitalisierung in den 1980er Jahren einsetzte und Freiheit, Selbstständigkeit und Teilhabe verspricht. Der Fokus liegt auf persönlicher Entfaltung innerhalb der Arbeitsumgebung und umgekehrt einer höheren Identifikation mit dem Team und dem Unternehmen. Marchand nimmt die sich verändernde Arbeitswelt nicht nur in den Blick, sondern sie wird selbst ein Teil davon: In Jobportalen meldete sie sich mit verschiedenen Profilen an wurde Teil von innovativen Teamstrukturen. Sie nahm an TeambuildingEvents teil und arbeitete in diversen CoWorking Spaces. Ihre Aktivitäten und Beobachtungen zeichnete die Künstlerin mit Bildschirmfotos, Foto und GoProKamera auf und entwickelte daraus die immersive Installation From Me to We. Luise Marchand macht sich für dieses Projekt eine Form der Zeugenschaft zunutze, bei der die eigene subjektive Erfahrung der Filter für den dokumentarischen Blick ist. Diese Zeugenschaft überträgt sie auf uns, wenn wir uns auf die Installation physisch einlassen. Die Idee des Dokumentarischen manifestiert sich an dieser Stelle nicht nur als visuelles Forschen und Argumentieren seitens der Künstlerin. Wesentlich ist in diesem Projekt die Betrachter:innenerfahrung, die von der Künstlerin gelenkt und unter Einbezug der visuellen und sprachlichen Codes des New Work gestaltet wird.
⤴️Link in Bio: Interview mit Luise Marchand
